Ron Mueck entre humanos.

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Ron Mueck, australiano nacido en 1958, reside actualmente en Inglaterra.

Inicia su carrera creativa trabajando para la industria cinematográfica, encargado de los efectos especiales de películas como Labyrinth junto a David Bowie, o The Dark Crystal.

Se muda a Londres donde forma un equipo de trabajo, cuyos primeros productos fueron utileria y diversas creaciones publicitarias. Con la experiencia obtenida en sus trabajos para el cine y demás trabajos de diseño, se convierte, en el gran artista hiper-realista que hoy podemos apreciar.

Mueck tiene un proceso creativo, que inicia con la elección de una idea o un símbolo. Luego lo transforma en varios modelos pequeños hechos de plastilina o algún tipo de arcilla. Elige una y sobre ésa trabaja. Ahora realiza una representación del modelo del tamaño exacto del que quedará la obra final. Cabe mencionar que Mueck suele jugar con las escalas, pueden ser figuras humanas muy pequeñas o enormes, tal como su escultura llamada “The Boy” de aproximadamente 5 metros de alto. Regresando al proceso, sobre el nuevo modelo trabaja realizando sobre él, pequeños arreglos de perfeccionamiento. Al concluir, coloca un tipo silicón que e vuelve rígido sobre el modelo para realizar un molde, éste paso es crucial ya que el molde debe ser perfecto y minuciosamente retirado para no causarle daño alguno al molde. Con el molde listo se vierte dentro un silicón distinto que da una imagen muy similar a la de la piel humana. Añade detalles con colores vegetales, y pequeños vellos, en lugares donde sea requerido. Es un proceso largo.

La cabeza de las figuras lleva un proceso aparte, ya que Ron prefiere darle especial seguimiento a ésta parte de la escultura, por todos los detalles que desea añadir, por ejemplo “The Death Dad”, tiene cabello que alguna vez fue de Ron.

Mueck es un artista que le gusta involucrarse en todos los procesos de su trabajo, tiene un taller en casa para encargasrse personalmente de su obra. Es una persona paciente y meticulosa a la hora de trabajar, ya que coloca vello por vello, o pelo por pelo, en cabeza, cejas, pestañas, entrepiernas, etc. Le entrega al público un resultado increíblemente bello, y sobre todo, sorprendente.

Ron Mueck un creador de humanos.

Las pesadillas de Olivier.

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Olivier de Sagazan, nace en la Rpública del Congo en 1956. Llevó a cabo una carrera intelectual que involucra lo científico y lo humano, desenvolviéndose en la biología y la filosofía. Pintor, escultor y performancer.

Sus creaciones plásticas, son representaciones de figuras semi-humanas, acorraladas en dolor y horror. Se siente en ellas un sufrimiento extenso, con texturas monstruosas. Realiza trazos precisos dejando una figura casi real en el lienzo, sin embargo, utiliza colores y diversos materiales, para deshumanizar su obra y darle una imagen artística aterradora. En cuanto a su escultura, utiliza materiales como el yeso y varillas de varios grosores. Esculpe figuras humanoides mutiladas, torturadas o llevando acabo actividades misteriosas.

Éstas creaciones plásticas, forman la base de su trabajo más reconocido, el performance.  Olivier creó personajes en pinturas y esculturas, muy suyos, sin embargo quiso llevar ése sello propio, más allá. Así que él mismo se transformó en su obra, una obra con movimiento y sentimiento vivo, una obra ruidosa o silenciosa, capaz de sorprender al espectador de un segundo a otro.

Olivier realiza performances en los cuales se trastorna en un personaje lleno de furia animal, pero tacto humano. Llevándolo a  conseguir un resultado violento pero preciso; el espectador es invadido por un miedo, que traduce en admiración a la grandeza del mensaje enviado por el artista. Se puede observar en el artista el manejo de los materiales con maestría, realizando diversas modificaciones a lo largo de la demostración. Es impresionante el ver que no sólo maneja el miedo y el horror hacia sus personajes, sino que,al sumergir tanto al espectador en su trabajo, lo hace compadecerse del dolor,  invadirse por una sonrisa, o inundarse de locura.

La muestra artística de Olivier hace que el espectador conecte ciertos pensamientos en su interior, que lo lleven a una reflexión sobre el dolor y sentir humano, y el singular modo de ser representado por de Sagazan. Una obra que muestra la personalidad del artista y transporta al ser humano a su estado más animal. En mi opinión, el gran artista que es Olivier de Sagazan, se deja ver, en el sabor de boca que queda después de verlo crear.

Don Diego Rivera (Muralismo parte III)

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“Ella fue la poesía misma y el genio mismo.
Desgraciadamente no supe amarla a ella sola…”

   Diego Rivera, bautizado con el nombre de Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, nace en Diciembre de 1886 en Guanajuato. Cuenta con una niñez dura, comenzando con la muerte de su hermano gemelo un año y medio después de su nacimiento. Parte a la capital a los siete años. Estudia en la Academia de San Carlos. Recibe, en 1905, una pensión de parte de Justo Sierra y en 1907 otra de Teodoro Dehesa (gobernador veracruzano), por su trabajo gráfico, influenciado por las formas clásicas grecolatinas con el fin de poder realizar su viaje a España para conocer las obras de Goya y el Greco. Siendo éste último quien lo influenciaría directamente.

Con 20 años, entra a trabajar un taller con Eduardo Chicharro y con el maestro Ignacio Zuloaga. Viaja a París, donde se pone en contacto con las vanguardias del principio del siglo XX y varios de sus exponentes como Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle-Inclán. Recibe de ellos nuevas ideas gráficas, es decir, el cubismo. Nace Diego, su primer hijo, que muere un año más tarde, fruto de su matrimonio con la pintora rusa Angelina Beloff. En 1919 nace su primera hija, Marika Rivera, teniendo como madre a la pintora cubista  Marievna Vorobieva-Stebelska.

En octubre de 1910 es  invitado a participar en exposición para la conmemoración del Centenario la Independencia, donde Rivera expondría 40 obras, de las cuales seis fueron  compradas por la esposa del general Porfirio Díaz. La exposición fue inaugurada el 20 de noviembre, el día que inicia el movimiento revolucionario. Diego observa de cerca el movimiento y en Julio de 1911 regresa a París. Comienza a trabajar con impresionismo, y geometrización,  un periodo cubista, una etapa de análisis formal. Diego se acerca a su estado natural, y sintetiza su lenguaje plástico redescubriendo la figuración plástica.

Viaja por Italia, estudiando el arte clásica, en especial el arte mural. Sus viajes le permiten tener la teoría muralista a través de la historia. Y con esas bases, regresa a México en 1921, a los 33 años. Se integra al grupo intelectual con tendencias socialistas, se anexa al Partido Comunista Mexicano. Adquiere los ideales de igualdad, justicia, de valoración al trabajo y de reparto equitativo. José Vasconcelos lo invita a participar en el programa cultural para la integración nacional después de 10 años de lucha civil, en base a creación artística. Rivera optó por un método con pinturas figurativas con tendencias narrativas.

Así inicia con “La Creación” su primer mural en 1922, plasmado en el anfiteatro Simón Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria, en el Palacio de San Ildefonso. Ése año contrae nupcias con Guadalupe Marín; fruto de su matrimonio fueron  Guadalupe y Ruth. Inicia un proyecto en el Edificio de la Secretaría de Educación Pública, llamado “La Visión Política del Pueblo Mexicano”, terminado 5 años después. Se divorcia de Marín. Y contrae matrimonio con Frida Kahlo en 1929.

En 1929 inicia el proyecto en Palacio Nacional, proyecto interrumpido por los viajes de Diego a EUA.  El primero en 1930 para realizar “La Alegoría de California” en el edificio de  San Francisco Pacific Stock Exchange. El segundo a Nueva York donde se haría un homenaje en su honor en el Museo de Arte Moderno.  Rivera trabaja para Detroit Industry. Y le surge el proyecto del  Rockefeller Center, donde plasma “El hombre en la encrucijada mirando esperanzado a un futuro mejor”; mostraba las fallas del capitalismo y los aciertos del socialismo, retratos de Lenin y Marx, causan conflicto. Rivera se niega a modificar el mural, así que es destruido en 1934. Es invitado a pintarlo en el 3er piso del Palacio de Bellas Artes. En 1935 termina el proyecto “Epopeya Nacional”.

Otros trabajos importantes: el de Palacio de Cortés en Cuernavaca, el mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda” en el Hotel Prado, “La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista” plasmado en el Estadio Olímpico Universitario y los gráficos plasmados en el Teatro insurgentes;

Recurre a la acuarela con el fin de ayudar con los gastos por la enfermedad de Frida. En 1955 muere Frida. Es el día más triste en la vida de Diego. Rivera se casa con Emma Hurtado. Viaja a la Unión Soviética a ser intervenido quirúrgicamente. Muere en noviembre de 1957 en San Ángel, en su Casa Estudio. Sus restos fueron puestos en La Rotonda de las Personas Ilustres.

Diego Rivera muralista mexicano, influenciado por el cubismo y las ideas revolucionarias tanto socialistas como comunistas. Partícipe del movimiento político nacional postrevolucionario. Pintor que basa su obra en las ideas de izquierda y los fallos del capitalismo, en las tendencias y costumbre mexicanas, en la belleza de la mujer, en los tintes de la mexicanidad. Su trabajo mural, así como el de caballete, dejan ver los distintos lados que tenía Rivera. Un pintor controversial y fuerte ante la oposición a sus ideas. Un hombre que supo conquistar mujeres en base a su ideología y talento, nunca un esposo fiel. Un muralista consiente, apasionado, viajero, ideólogo, colorido, guerrero, mexicano.

“Yo sufrí dos accidentes graves en mi vida,
uno en el que un autobús me tumbó al suelo…
el otro accidente es Diego”. Frida Kahlo.

Tamayo en nombre del Momento (Muralismo parte II)

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 “Yo creo que el arte es la quinta esencia de la vida, es decir, tiene que reflejarla, porque el pintor tiene que ser actuar”. ”Cada momento necesita una manera de expresión distinta”.

 Rufino Tamayo.

   Es complicada hablar de alguien que no vivió en tu época, no se reconocen bien las causas de su actuar. Rufino Tamayo muralista mexicano, nacido en Oaxaca, en el año de 1899; es considerado uno de los cuatro grandes del muralismo en México.

   Rufino tuvo una niñez complicada, su padre lo abandonó cuando muy pequeño; a los once años pierde a su madre, quedando así, huérfano. Estando a cargo de su tía, decidió emigrar a la Ciudad de México. Rufino del Carmen Arellanes Tamayo, repudiaba el recuerdo de su padre, y amaba el de su madre, así que pasó a ser solo Rufino Tamayo. Ingresó a la Academia de San Carlos, donde fue considerado un estudiante mediocre, pero un todo un artista, que vendía fruta para sostenerse.

   En 1926 tuvo su primera exposición individual y ese mismo año viajó a Nueva York donde expuso en la “Weyhe Gallery Rufino Tamayo: Painting, Watercolors, Drawings, and Woodcuts”. Justo ahí, en Nueva York, encontró obras, que más adelante lo influenciarían, de Picasso, Matisse y Braque.

   Su obra está marcada por no tener un amplio contenido político, sino que contenía la gran tradición mexicana, dando así un resultado colorido, emocionante, y lleno de patriotismo; enmarcando las cosas buenas de la cultura mexicana, sobre los errores o dificultades políticas del país. Creó un estilo propio a base de impresiones llamado mixografía. Pintó sobre el erotismo, lo que el llama sensual, simplemente la atracción de un cuerpo por el otro a base de belleza espiritual. Un apasionado de la inmensidad del Universo y el cosmos, pintándolos con sentimentalismo mexicano, es decir, colorido; mostrándose siempre humanistas, investigación y ciencia al servicio del ser humano, y no al contrario.

   Regresa a México en 1928 y se convierte en profesor en la Escuela de Bellas Artes. Regresó a Estados Unidos donde también fue maestro durante 14 años. Pintó varios murales y en 1950 se dio a conocer en Europa, donde se vio reconocido como un grande de la pintura. Se va a vivir a Paris, y regresa triunfante a México en 1960. Donó su obra a la nación, fundando así el museo Rufino Tamayo de Arte Contemporáneo.

   Muere en 1991 junto a su esposa la pianista, Olga Flores Zárate, con quien se casó en 1934. Muere de Bronconeumonía en la Ciudad de México, y sus cenizas junto a las de su esposa residen en el Museo Rufino Tamayo de Arte Contemporáneo.

   Un artista mexicano que optó por lo positivo, que plasmó en su obra una idea humanista. Es el segundo muralista de la serie de cinco, y antes de hoy era un perfecto desconocido para mi, sin embargo, hoy me di cuenta que se convirtió en un gran pilar en la pintura y cultura mexicana.

“La idea en síntesis es: que el mexicano se quite de encima todos los prejuicios anteriores de nacionalismo, para hacerse Universal”.  Rufino Tamayo.

Los invito a verlo trabajando en el año de 1967 http://www.youtube.com/watch?v=j3JWaGaASQk

 

El Orgullo de ser Orozco (Muralismo Parte I)

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  La fuerza y la potencia del impacto crítico que surge del pincel, brocha, espórtula o manos, son inmensas cuando la causa es el sufrimiento de tu gente. La gente que viste crecer a tu lado y muere por un gobierno que no los deja libres, que les quita el pan y les niega la educación. Los muralistas emprendieron una misión pedagógica y protestante. Las masas debían de ser orientadas, para fomentar en ellas una conciencia política, revolucionaria y nacionalista. Una causa noble.

José Clemente Orozco, nacido en Jalisco, México, en 1883. Muralista mexicano. Un virtuoso del arte pictórico, que ingresó a la Academia de Bellas Artes de San Carlos con el fin de aprovechar su talento. Inició la carrera de Ingeniero Agrónomo, por los intereses de su familia en la administración terrenal; sin embargo los intereses de Orozco no estaban siendo satisfechos. Se decidió a abandonar la carrera y dedicarse a la pintura.

En 1910 logró exponer sus primeros trabajos. De 1911 a 19916 colaboró como caricaturista para algunas publicaciones de los hermanos Flores Magón,  con el fin de recaudar fondos para su trabajo en el futuro. También se desarrolló como acuarelista. En 1915 realizo su primer mural Las últimas fuerzas españolas evacuando con honor el castillo de San Juan de Ulúa. En 1916 realiza su primera exposición La Casa de las Lágrimas, dedicado a las prostitutas. Fue un caricaturista y pintor sátiro, pinturas que explotaban de sentido, pero con un toque obscuro y cómico, así como violento.

En 1922 es invitado por José Vasconcelos para realizar los murales en la Escuela Nacional Preparatoria junto a David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera (de los cuales hablaré en próximas publicaciones), consagrándose como los tres grandes muralistas mexicanos, además de Rufino Tamayo. Trabajos como Cortés y la Malinche  Orozco se comprometió a retratar el sufrimiento de manera vigorosa, retrató también el amplio repertorio étnico mexicano.

En el 28 viaja a Nueva York, EUA, para presentar sus dibujos revolucionarios, se financia el sólo. Trabajó para el Pomona College, California, donde realiza El Prometeo; en la New School For Social Research de Nueva York. Además realizó trabajos como La enseñanza libresca genera monstruos. Pudo, al fin, financiar su viaje a Europa, y en España e Italia se dedicó a conocer museos.

Regresó a Guadalajara, trabajó en la cámara legislativa, con el tema de la abolición de la esclavitud, se ve a Hidalgo como un ser sereno y pensante; esta fue su última obra. Trabajó para el gobierno realizando obras como La justicia y Luchas proletarias. Recibió el premio Nacional de Artes en 1946. Murió el 7 de Septiembre de 1949 en la Cd. de México, sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres.

Orozco sufrió el rechazo por su obra, sin embargo, tuvo la fuerza y el compromiso con sus ideales que lo hicieron consolidar su trabajo como uno de los más representativos de México. Los invito a ver la película En busca de un muro, de Julio Bracho, donde se presentan las dificultades de Orozco y su viaje a Nueva York.

 

El talento, la tiza, la cámara.

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Llega un talento capaz de engañar al ojo humano.

La anamorfosis es una deformación reversible de la imagen, es decir, una imagen creada para verse con ayuda de un objeto o, desde una posición específica. Así la imagen que a simple vista esta no esta definida, adquiere un sentido.

Julian Beever, el artista británico, encontró en la anamorfosis  un método para crear imágenes tridimensionales  en pavimento. Por medio de tizas y pasteles realiza diseños en lugares públicos, donde la audiencia puede deleitarse con su obra, incluso tomarse algunas fotografías dentro de su obra, dando la impresión de que son parte de ella.

Julian plasma imágenes en las cuales el público puede interactuar. Imágenes con superhéroes, paisajes acuáticos, botellas de refresco, animales, ciudades y lugares increíbles. Las imágenes tienen un doble mérito, ya que además de manejar a la perfección la técnica de la anamorfosis, conoce de fotografía, dando así un aspecto hiperrealista a su trabajo.

Además de sus obras propias, Beever realiza reproducciones de obras de grandes artistas. Sus diseños han sido plasmados en pavimento alrededor del mundo. Países como Alemania, Reino Unido, Bélgica, Francia, Holanda, Estados Unidos, Australia, México (imagen de la mariposa), España, Uruguay, Ecuador y Argentina, han albergado a su obra. Ha realizado trabajos murales, con pinturas acrílicas sobre muros de madera con un poco más de 7 metros de largo. Hace publicidad para empresas y se dedica al marketing.

Es un gran admirador del Muralismo Mexicano, como referencia, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros.  Los invito a ver el video sobre su visita a México.

http://www.julianbeever.net/

Alex Grey Visión Cósmica

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 El 29 de noviembre de 1953 nace en Columbus, Ohio, Alex Grey, ilustrador, inspirado en la muerte, el cuerpo humano y el cosmos. Desde muy pequeño se vio atraído por el arte, ya que realiza dibujos desde los 5 años; tenía una afición por los insectos muertos que recolectaba en su jardín. Alex fue apoyado por su padre a lo largo de su carrera.

   Ingresó al Colegio de Arte en Columbus y posteriormente al  Boston Museum School donde conoció a su esposa y a base de drogas como LSD conoció un camino para abrir su mente al espacio y diseñar un estilo propio. Estuvo 5 años en la escuela de medicina de Harvard donde pudo estudiar el cuerpo humano, que es una pieza fundamental de su obra. Su talento en la pintura anatómica lo llevó a que los médicos le pidieran que realizara el trabajo de ilustración del departamento. Trabajó en la Universidad de Nueva York donde era maestro de anatomía artística y escultura de figura.

   Su más grande trabajo fue una serie llamada “Espejos Sagrados” (Sacred Mirrors) compuesto por 21 pinturas de cuerpo completo en las que proyecta imágenes sobre el cuerpo humano en toda su extensión, de manera física como metafísica, es decir, se proyectan tanto órganos, venas, arterias, como alma, conciencia, vida misma; o llevando a cabo actividades tan humanas como el besar, nacer, copular y morir.

   Definitivamente Alex es un artista psicodélico que le ha dado la vuelta al mundo, ya que ha logrado alcanzar países como Japón, Brasil, Holanda, Francia, España, entre otros, y se ha difundido su trabajo a través de medios como Discovery Channel o la banda de grunge Nirvana.

   Es un artista que se basa en la perfección del cuerpo, y a base de colores le brinda un aspecto maravilloso, dejando ver su pasión por el cosmos y la psicodelia.

http://www.alexgrey.com/

Rafael Color

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   Un artista urbano, se vuelve quien es debido a su talento. El joven Rafael Soria Ortega estudiante de la Preparatoria No. 6 Antonio Caso, muestra en su trabajo los efectos de la luz llevados al límite, dejándonos ver una obra realista y con vivos detalles, sorprendiéndonos con la grandeza de ella misma.

   Su más grande influencia es una artista llamada Lauirie Lipton, que se desempeña como ilustradora del hiperrealismo lo que deja ver en sus obras imágenes llenas de contenido y arte puro. [Foto de su trabajo de la Pantera y la niña, arriba.]

   Los materiales que Rafael prefiere son el bolígrafo, el lápiz, y los colores de madera, con los cuales realiza obras dignas de admirarse. También desarrolla trabajos sobre muros, hechos con aerosoles, técnica que ha sabido llevar a su máxima expresión. Su sobrenombre, en los trabajos realizados en muros, es “Besme”.

   Rafael es una gran persona que sabe enfrentar problemas cotidianos, debido a su experiencia en las calles. Sin mensionar que tiene muchas historias que contar, y es una persona que en su forma de ser presenta una imagen original, demostrando así, que esta lleno de ideas y proyectos de su autoría. Su creatividad es interminable, al igual que su talento.

   “Cuéntame tus sueños yo haré realidad lo que has visto en ellos”.

http://www.facebook.com/#!/AstralColors

Diseños Valensuela

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Trevore Valensuela baterista de la banda Austin TV, se presenta hoy como un diseñador de artes gráficas desde el año 2001. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Gráficas y en la ENP Plantel 5 “José Vasconcelos” en 1993.

  Sus diseños son abtractos pero estan llenos de contenido. Él menciona que se ha influenciado por el surrealismo pop, y que sus mejores diseños los ha realizado en parches para bateía (instrumento que toca desde siempre). Realiza grandes trabajos y tiene un estilo original.

   Marcados por rostros redondos y figuras humanas con tintes infantiles, sus diseños se tiñen de colores poco usuales, haciendo uso de colores pastel, que resaltan y enmarcan los diseños de alegria o bien sátira. Llamó en especial mi atención su estilo a la hora de realizar los ojos dado que, además de que son rasgados, no dibuja ni una pupila haciendo que la figura se note malévola o sospechosa, sin embargo sus razones pueden ser otras, aún asi remarca ese estilo único. Realiza tambien diseños que pueden ser tatuados, y que son realmente buenos.

   El lugar donde el artista elige realizar su obra puede ser muy variado. Trevore tiene un lugar muy particular para realizar su obra: los botones. Ahi realiza sus grandes diseños característicos, lo cual vuelven a un botón una obra de arte. Haciendo trabajos especiales en botones de tela “Edición Única”.

   Para finalizar, Trevore es un artista que casi nunca muestra el rostro, aun asi su grandeza como artista plástico y musical, nos hace conocerlo sin ver su cara.

Las manos de Cardo Negrete

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“Esta vez, arrojo mi puente oscilante con ganchos que atrapan tus tierras, pasamos sin vernos tocando los hombros, y cada uno allá en las del otro, en el otro, en la entrada de peñasco de un universo. Al Regresar al puente, le hemos dado toda la vuelta llegando a las tierras propias, nos tiramos.”Habernos (fragmento). Cardo Negrete.

Hay gente que toma a la creatividad como un escape de una realidad que se torna adversa, y hay artistas, que dejan volar a su imaginación pero se aferran a ella y descubren lugares maravillosos juntos. Me encontré en una azotea rodeado de desconocidos que fumaban, entonces, escuche a una persona que con toda calma se dispuso a describir al mundo, poniendo poemas improvisados al alcance de los oidos de su pequeña, pero atenta audiencia; horas más tarde supe su nombre: Cardo Negrete.

Cardo A. Negrete Márquez es un artista que en su trabajo deja salir a monstruos increibles, o creaturas bellas, iluminadas o trastornadas por colores que te deslumbran y cautivan en cada diseño. Muestra diseños con comicidad y surrealismo, que te dan una pequeña visita gráfica a lo que es la mente de este gran pintor. Ha realizado trabajos urbanos en los que se muestra libre y cómodo a la hora de usar multiples colores. Es un deleite estar cerca de él porque es una persona que no se cansa de crear, así sea graficamente o literariamente. Describe, a través de la escritura, su visión de todo alrededor y dentro de él mismo, dejando salir obras que maravillan al lector.

Un artista completo se muestra libre entre pinceles, latas, letras, plumas, papel, paredes, etc. El señor Cardo, estudia en la Escuela Nacional Preparatoria Plantel 7, y labora en un taller llamado Taller Color 75 grados donde es ilustrador.

“Nací en un cuerpo con el que puedo pensar, sonreir, sentir, aprender, hablar, soñar y moverme a mi gusto; Vivo en un planeta, con un Sol, una Luna, con gravedad y todas esas cosas sin sentido.” Cardo Negrete

http://primaveraengato.blogspot.com/